Idea y realización
Equipo Parramón Paidotribo
Equipo Parramón Paidotribo
María Fernanda Canal
Ayudante editorial y archivo iconográfico
Ma Carmen Ramos
Textos y coordinación
Josep Asunción, Gemma Guasch
Realización de los ejercicios
Josep Asunción, Gemma Guasch, Vicenç Ballestar, Josep Maria Ametlla
Diseño gráfico de la colección
Toni Inglès
Fotografía
Estudio Nos & Soto
Maquetaclón
Estudi Toni Inglés
Segunda edición: enero 2008
© ParramónPaidotribo
© de las reproducciones autorizadas, VEGAR Barcelona, 2006
www.parramon.com
E-mail: parramon@paidotribo.com
Prelmpreslón
Pacmer, S.A.
ISBN: 978-84-342-2621-0
ISBN EPUB: 978-84-342-1486-6
Depósito legal V-5.250-2007
INTRODUCCIÓN
EL TRAZO EN EL LENGUAJE PICTÓRICO
Trazo y percepción visual
Factores de intervención en el trazo
Tipología y características del trazo
El trazo en el cuadro
Trazo y expresión personal
Experimentación con el trazo
EL TRAZO EN LA NATURALEZA VIVA
Propuesta creativa 01: Gestos descriptivos, precisos, directos...
Representación de animales en movimiento mediante trazos descriptivos
Propuesta creativa 02: Texturas transferidas, impresas, marcadas...
Experimentación con transferencias, huellas y Eottage a partir de elementos vegetales
Propuesta creativa 03: Gestos suaves, fundidos, vaporosos...
Representación de flores mediante trazos fundidos y difuminados
EL TRAZO EN EL BODEGÓN
Propuesta creativa 04: Gestos frágiles, quebradizos, débiles...
Trazos lineales de baja intensidad en un bodegón de objetos
Propuesta creativa 05: Texturas tramadas, gráficas, reticulares...
Experimentación con tramas en un interior con silla y ropas
Propuesta creativa 06: Texturas atmosféricas, difuminadas, borrosas...
Aplicación del sfumatto en un bodegón simple de una taza de café
EL TRAZO EN EL PAISAJE
Propuesta creativa 07: Texturas terrosas, ásperas, voluminosas...
Pintura matérica. Un paisaje lunar con cargas
Propuesta creativa 08: Texturas empastadas, gelatinosas, cremosas...
Paisaje marino con celaje realizado con gel y pastas de relieve
Propuesta creativa 09: Texturas arañadas, desgastadas, rascadas...
Experimentación con trazos arañados en un paisaje nevado
EL TRAZO EN LA FIGURA HUMANA
Propuesta creativa 10: Gestos primitivos, esquemáticos, elementales...
Neoprimitivismo y estéticas urbanas: Experimentación con trazos de otros lenguajes gráficos
Propuesta creativa 11: Gestos enérgicos, dinámicos, apasionados...
Pintura rápida y expresionista del desnudo femenino
Propuesta creativa 12: Texturas planas, uniformes, lisas...
Experimentar la planimetría con el colage en una escena urbana
EL TRAZO EN LA ABSTRACCIÓN
Propuesta creativa 13: Gestos líquidos, fluidos, deslizados...
Experimentación con el dripping, las salpicaduras y los goteados a partir del veteado de la madera
Propuesta creativa 14: Texturas reales, matéricas, volumétricas...
Potenciar la materia en el colage volumétrico. Experimentar con material textil
Propuesta creativa 15: Gestos minimalistas, esencialistas, reflexivos...
Una experiencia de pintura zen. Abstracción a partir de una gota de agua
GLOSARIO: CONCEPTOS BáSICOS
No hay arte sin creación, por eso la creatividad es un ingrediente indispensable en la pintura que todo pintor debe desarrollar. La creatividad implica riesgo y valentía; creatividad es lanzarse a la aventura, persiguiendo la singularidad y la innovación, buscando la respuesta personal. Pero de nada sirve lanzarse al mar si no sabemos nadar, la experiencia durará muy poco. Aprender a pintar es aprender a moverse en el medio de la pintura: el lenguaje visual, como aprender a nadar es aprender a moverse en el agua. Este libro nos lanza al agua pero provistos de ayuda, ya que por un lado impulsa el desarrollo de la creatividad y por otro se adentra en el conocimiento del medio: el lenguaje pictórico.
El lenguaje verbal dispone de un alfabeto y una sintaxis; las palabras y los silencios cobran sentido en cada frase y cada frase en la globalidad del texto. En un cuadro sucede igual: el lenguaje pictórico está compuesto de elementos que adquieren sentido en una composición, como en el lenguaje verbal. El alfabeto de la pintura lo forman el color, la forma, el espacio y el trazo. Los tres primeros elementos (color, forma y espacio) están muy relacionados con la imagen y el último (trazo) con la física del cuadro. Si lo comparamos de nuevo con el lenguaje verbal, el color, la forma y el espacio serían las palabras, las pausas, las expresiones o frases, y el trazo sería el tono de voz, la velocidad y la carga emocional de quien habla.
Sería absurdo pretender estudiar cada uno de estos cuatro elementos aislándolo completamente de los otros, ya que los cuatro se interrelacionan como lo hacen las palabras, los silencios y la entonación en un discurso. Sin embargo, sí es posible centrar la atención en cada uno de ellos, para conocer en profundidad cómo funciona el lenguaje visual y dar una respuesta creativa empleando ese lenguaje. En el presente libro centramos nuestra atención en el trazo. Tras una introducción que explica la teoría relacionada con el trazo en la pintura, se plantean quince propuestas creativas agrupadas temáticamente por géneros pictóricos, para que el lector experimente de manera creativa con el trazo, buscando su lenguaje personal.
Gemma Guasch y Josep Asunción son dos artistas visuales que compaginan la creación artística con la docencia de la pintura. Ambos son licenciados en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, y cada uno de ellos ha realizado numerosas exposiciones en España, Italia y Alemania. Desde 1995 trabajan en proyectos comunes con el nombre de CREART, una asociación cultural que experimenta en las creaciones artísticas colectivas. Su larga experiencia como profesores en la Escuela de Artes y Oficios de la Diputación de Barcelona al frente de las aulas de pintura, avala cada una de las propuestas de este libro.
«Se pinta con el cerebro y no con las manos.»
Miguel ángel,
carta a Monseñor Aliotti,
1542
“Para nosotros, el gesto ya no será un momento fijado del dinamismo universal; será decididamente la sensación dinámica eternizada como tal.”
Manifiesto técnico de la pintura futurista, 1910.
Durante muchos años, en Occidente, se ha disimulado la factura del cuadro anulando la huella personal del artista. Los orientales, en cambio, han valorado esa huella como la expresión propia del hombre y la han dominado para transmitir sus sensaciones: miedo, debilidad, energía, seguridad, etc. Éstos son los contenidos que se perciben a través de la factura, popularmente denominada trazo. Cuando hablamos de factura, o trazo, nos referimos no tanto a “qué” contiene esa imagen (colores que intervienen, composición, formas...) sino a “cómo” se ha construido físicamente, con qué materiales, aplicadores e intención se ha realizado cada gesto o textura.
La principal característica de la percepción visual del trazo es que nos conduce a un segundo nivel perceptivo: el táctil, pasando de lo óptico a lo háptico. Aunque en muchas pinturas la imagen deja en segundo plano a la materia, en otras el artista parece dirigirse directamente al tacto, atrapando al espectador por los materiales empleados, invitándole incluso a tocarlos.
En este nivel, el impacto psíquico es superior al visual, ya que el tacto es el sentido más primario del ser humano, vinculado a las experiencias perceptivas más infantiles. Como bien observa Tapies en su ensayo Realidad como arte: “Recuerdo haber pensado -y realizado- obras en las que quería aludir la presencia, por ejemplo, de un reptil y lo hice sin dibujarlo y dando sólo a la textura una superficie de aspecto escamoso”.
“Un dibujo a pluma de Rembrandt, mirado de arriba abajo, se podría confundir fácilmente con un pedazo de caligrafía totalmente abstracta... se puede ver en los dibujos de Rembrandt el placer que conseguía éste sólo con utilizar una pluma y una tinta. Podía dar a una cabeza y una mano un sentido y una expresión intensa, pero si tapamos la cabeza y la mano, las otras partes del dibujo nos pueden parecer fiorituras caligráficas. Así, en los ‘ejercicios a la pluma’ yo encontraba el placer expresivo de la utilización libre de la pluma y la tinta. Los dibujos empezaron de esa manera y algunos se convirtieron más tarde en figuras, paisajes y una de ellas en un caballo.”
Henry Moore
Henry Moore,
Ejercicio a la pluma número 9: Jinetes
atravesando un desfiladero, 1970.
Henry Moore Foundation
(Yorkshire, Reino Unido).
La principal diferencia entre gesto y textura es que el primero denota una forma aislada o una acción puntual y el segundo se refiere a una extensión formada por multitud de elementos ¡guales o similares; como no es lo mismo una hoja que el follaje. El gesto ayuda a Identificar las formas que constituyen la Imagen, en cambio, la textura define la piel de esas formas o del espacio que las contiene (A).
Al leer una Imagen visual siempre seguimos un orden, y el trazo es una herramienta fundamental para establecer una jerarquía de Importancias. Así, por ejemplo, los empastes, las precisiones y los gestos radicales se perciben primero, dejando en un segundo plano los desenfoques, las Imprecisiones o los trazos diluidos y débiles (B).
Por las leyes de la percepción desarrolladas por los psicólogos de la Gestalt, sabemos que la mente tiende a completar la Información que percibe corrigiendo las deformaciones y agrupando los estímulos visuales similares. Así se hace posible que un trazo realizado rápidamente o con torpeza pueda seguir representando un objeto (C) o que la mente, como en los Tests de Rochar o los dibujos a pluma de Henry Moore (1898-1986) (D), Imagine formas a partir de trazos muy desdibujados.
Todas las variantes de trazo tienen en común la elección de unos materiales y la intervención con los mismos.
Al hablar de materiales nos referimos básicamente al soporte y al medio pictórico, y la intervención es el modo como se ha manipulado esa materia en el soporte.
Cada soporte contiene su propio lenguaje expresivo que nos ayuda a conseguir que nuestros trazos transmitan unos efectos determinados. Una tela de lino transmite elegancia y sobriedad, la arpillera tosquedad y dureza, el lienzo de algodón frescor y naturalidad... En el papel hallamos desde la pobreza de los papeles reciclados y de embalaje hasta la imperfección y la exquisitez del papel hecho a mano. También podemos experimentar con otros soportes no tradicionales, como planchas metálicas, fórmicas, vinilos, entre otros.
Los componentes materiales medio son los que provocar efectos. La acuarela proporc fluidos, transparentes y sensuales transmite sedosidad, densidad y brillo. El acrílico es un medio versátil y polivalente que permite la fácil incorporación de cargas y la combinación con otros medios grasos. Actualmente, se experimenta con la combinación de otros materiales y la introducción de nuevas sustancias no tradicionales, como barnices, esmaltes o pinturas industriales metalizadas.
Son las herramientas con que se aplica el material pictórico sobre el soporte. Aparte de las variantes de composición y grosor de los aplicadores tradicionales (pinceles, espátulas, plumillas...), se recurre a otros menos convencionales, como cañas, cepillos, aerosoles o los dedos de la mano.
Nuestro cuerpo, por medio de la mano, transmite energía en cada trazo que realizamos; variando su velocidad, comunicamos emociones diferentes en nuestros trabajos. Una velocidad de trazo lenta y pausada nos transmite reflexión, pero también debilidad; a medida que aumenta la velocidad el trazo se vuelve más impreciso, pero gana en energía y dinamismo, enriqueciendo el resultado con efectos accidentales como las salpicaduras.
A partir de un mismo modelo podemos lograr efectos plásticos muy variados modificando los factores de intervención del trazo.
En técnicas húmedas, con este término nos referimos a la cantidad de pintura con que cargamos el aplicador; y en técnicas secas, a la presión que ejercemos sobre el mismo. Existe una estrecha relación causa-efecto: poca intensidad - efecto lírico, suave y ligero; mucha intensidad - efecto expresionista, denso y pesado.
Es la forma que adquiere el trazo, que está determinada por los movimientos de la mano. Existen tantos estilos como
1. papel
2. madera,
3. lienzo
4. arpillera
1. ceras,
2. acuarela,
3. rotulador
4. cretas
1. dedos,
2. caña,
3. esponja,
4. espátula
de lento (1)
a muy rápido (4)
de muy diluido (1)
a muy cargado (4)
1. sinuosidades,
2. salpicaduras,
3. pinceladas entrecortadas,
4. rascados
Una misma frase pronunciada con distinta entonación puede significar contenidos contrarios. Por ejemplo, la expresión “estoy cansado” puede indicar agotamiento si la pronunciamos con voz débil y lentamente, o bien enfado cuando la pronunciamos gritando de forma contundente. Lo mismo sucede en la pintura, y esa entonación en el lenguaje verbal tiene su equivalencia en el lenguaje visual.
Los trazos se clasifican en dos grandes grupos: gestos y texturas. En cada grupo hallamos variaciones según los factores que han intervenido en el momento de su creación (soporte, medio, aplicador, velocidad, intensidad y modulación).
Los trazos gestuales definen formas o concentran la energía en puntos y zonas concretas (figurativas o abstractas). A este nivel, los gestos pueden ser descriptivos, precisos y directos, que definan hábilmente los objetos; o suaves, fundidos y vaporosos, de modo que los insinúen en una atmósfera tenue.
En cuanto a la intensidad, pueden ser frágiles, quebradizos y débiles, que transmitan vulnerabilidad y caducidad; o enérgicos, dinámicos y apasionados, que inviten a vivir intensamente.
Es posible reconocer gestos primitivos, esquemáticos y elementales en las composiciones frescas y sin tapujos de los graffitti, o bien trazos gestuales que dejan fluir libremente la energía, como los minimalistas, esencialistas y reflexivos de la pintura zen o los trazos líquidos, fluidos y deslizados de la pintura de acción.
Al percibir visualmente una textura recordamos una sensación táctil, por eso solemos emplear palabras que se refieren a experiencias táctiles para definirla: pesado-ligero, áspero-suave, blando-duro, rígido-móvil, liso-accidentado (roto, plegado, cortante, poroso, arrugado, agujereado, punzante, estriado, cuarteado...), frío-cálido, seco-húmedo, regular-irregular, consistente- inconsistente, líquido-viscoso, sólido- gaseoso.
En la mayoría de texturas, su atractivo recae en el procedimiento que las ha creado, como las texturas transferidas, impresas y marcadas por huellas de objetos o frottage; o las texturas arañadas, desgastadas y rascadas, que indican una intervención física sobre el material pictórico todavía fresco. En este sentido, hallamos también las texturas clásicas del dibujo y la pintura: texturas tramadas, gráficas y reticulares, más visuales que táctiles, y texturas difuminadas, atmosféricas y vaporosas, que recuerdan sensaciones cálidas y ambientales.
Texturas tramadas, gráficas, reticulares...
Texturas atmosféricas difuminadas, borrosas...
Texturas terrosas, ásperas, voluminosas...
Texturas transferidas, Impresas, marcadas...
Texturas empastadas, gelatinosas, cremosas...
Texturas arañadas, desgastadas, rascadas...
Texturas planas, uniformes, lisas...
Otras texturas son verdaderas invitaciones al tacto. Incorporando materiales y cargas se logran efectos reales de relieve, como las terrosas, ásperas y voluminosas, muy apropiadas para paisajes terrestres; así como las texturas empastadas, gelatinosas y cremosas de celajes y marinas.