La historia de la pintura, hasta el siglo XX, constituye una sucesión de momentos fluctuantes, que oscilan periódicamente de un extremo al otro como un péndulo. En un extremo, se sitúa un arte sometido a la razón, cuya meta es el conocimiento de la naturaleza con vistas a dominarla, y en el otro, un arte controlado por la pasión, cuya meta es la expresión más pura de la vivencia. Así, al clasicismo de Grecia y Roma, basado en el canon, le sucedió el arte medieval, más críptico y misterioso, cuya fuerza radicaba en lo simbólico. De ahí se pasó al Renacimiento, analista, monumental y riguroso, para desplazarse después hacia el Barroco, intimista, emocional, espiritual o sensual, según la época. Hasta el Barroco, los períodos artísticos se prolongaban durante siglos, pero a partir del siglo XIX fueron acortándose, hasta llegar a convivir estilos tan diferentes como el perfeccionismo del Neoclasicismo y la pasión del Romanticismo.

Para transmitir intimismo, hubo que recurrir al claroscuro barroco, mientras que evocar grandes epopeyas requería un colorido más fastuoso a plena luz

La manera de usar la luz y el color fue diferente en cada momento. Para transmitir intimismo, hubo que recurrir al claroscuro barroco, mientras que evocar grandes epopeyas requería un colorido más fastuoso a plena luz. Con el Impresionismo, se abrieron las puertas a la visión personal del artista. El pintor se basaba en su propia experiencia, en la “impresión” recibida, y no en ideales o cánones impuestos, ajenos a él. La luz, que crea las impresiones, fue el eje central de la producción de los impresionistas.

William Turner, Luz y color: la mañana después del diluvio. Moisés escribe el libro del Génesis, 1843. Tate Gallery (Londres, Reino Unido). Turner ya vivía y transmitía “impresiones” antes del Impresionismo. En esta pintura, trata la luz y el color en estado puro, como metáfora pictórica del camino hacia la percepción y el conocimiento profundos.

El contraste como herramienta expresiva

Cuando hablamos de pintura, hablamos de imagen, y toda imagen se ha formado a partir de la luz. Del mismo modo que la luz, siguiendo unas leyes físicas, define la imagen real que captará nuestra retina e interpretará nuestra mente, la imagen artística deberá seguir las mismas leyes para ser captada e interpretada por el espectador. Esas leyes, que iremos viendo a lo largo de este libro, se resumen en una: el contraste. Sin contraste, no hay percepción; por lo tanto, no hay expresión.

Pero no es necesario que el contraste sea muy fuerte, para asegurar una buena expresión. A veces, una sutil diferencia en el tono cromático o en la luz puede despertar grandes emociones. Como el contraste se basa en la diferencia, se tratará pues de llegar a crear estas diferencias, según la intención poética y expresiva. Del mismo modo que la gastronomía trabaja creativamente los contrastes a varios niveles para despertar sensaciones –contrastes de sabor, de textura, de aroma o de temperatura-, en pintura hay que trabajar también los contrastes a varios niveles: contraste de color, de luz, de forma, de tamaño, de textura...

Henri Matisse, Naturaleza muerta con mantel rojo, 1906. Musée de Grenoble (Grenoble, Francia). Contraste cromático, color puro sin neutralizar. Ésta era la intención de los fauvistas: a partir de las relaciones de color, redescubrir la pureza de los medios. En este caso, el verde y el rojo son los grandes protagonistas, dos complementarios que emiten una fuerte vibración.

Francisco de Goya y Lucientes, El 3 de mayo de 1808: fusilamiento en la montaña del príncipe Pío, 1814. Museo del Prado (Madrid, España). Para Goya, la escena tiene una semejanza con la Crucifixión. Por eso, la oscuridad acompaña el drama, y el contraste es de luz. El blanco, símbolo de pureza, refuerza la idea de la inocencia de la víctima. En otro cuadro análogo de Manet (La ejecución de Maximiliano), el drama es menos intenso, pero sólo porque la escena transcurre en pleno día.

La luz como tema artístico

La atracción que ejerce la luz en el artista va más allá de su función práctica como elemento que define volúmenes y espacios. La luz es también un elemento que comporta en sí mismo una magia y un atractivo muy especiales.

La luz simboliza lo inmaterial. Sólo la luz escapa de la ley de la gravedad, y todo aquello que se relaciona directamente con ella posee el mismo halo espiritual: la sombra, el color, la noche, el fulgor, la evanescencia, el calor... Sin lugar a dudas, la luz es un elemento repleto de contenidos conceptuales, simbólicos y vivenciales. Muchos artistas lo han abordado desde diversos flancos. En algunos casos, se trata de una luz que crea atmósferas de gran sensualidad, y en otros, es una luz cegadora que evoca un mundo sobrenatural.

Jan Vermeer de Delft, Muchacha leyendo una carta junto a la ventana, 1657. Gemäldegalerie (Dresde, Alemania). En Vermeer siempre hay una luz natural, cálida o fría, que baña suavemente la intimidad. Sus cuadros sugieren recogimiento y calor de hogar, ternura, placidez y bienestar.

René Magritte, El imperio de las luces, 1954. Colección Peggy Guggenheim (Venecia, Italia). Una visión surrealista: día y noche en una misma escena. Magritte reúne dos polos opuestos en una misma imagen, para provocar inquietud y extrañeza en el espectador y estimular así su imaginación.

Giuseppe Pelliza da Volpeo, El sol naciente o el sol, 1903-1904. Galleria Comunale de Arte Moderna (Roma, Italia). La luz es el único tema de este cuadro. Un fogonazo solar que deslumbra, da calor y vida. A principios de siglo XX, se tomó el amanecer como símbolo del socialismo emergente.

Luz y color en la pintura clásica

El Clasicismo va ligado a la idea de veracidad y tuvo su origen en la antigua Roma. Los pintores romanos partían de un dibujo riguroso y aplicaban una fusión entre colorismo y sombreado. A partir del siglo XIII, después de un largo período de predominio de la pintura plana y esquemática, de colores vistosos, se volvió a la realidad y se introdujeron suaves claroscuros, aunque conservando aún el idealismo medieval. El arte flamenco, con su tratamiento de la luz y el claroscuro, se anticipó al Renacimiento. En gran parte, fue una consecuencia de la invención de la pintura al óleo, que permite fundidos perfectos y un nivel de detallismo casi fotográfico.

El Renacimiento, en su afán por comprender la naturaleza, buscó la máxima veracidad en las representaciones mediante la corrección visual, el claroscuro logrado a través del color, la perspectiva, aérea y lineal, y el sfumato. La escuela veneciana, más preocupada por la atmósfera, daría paso al Barroco. A partir de ese momento, la luz se convirtió en elemento fundamental, no sólo al servicio de lo representado sino también de la emoción transmitida.

Leonardo da Vinci, Santa Ana, la Virgen y el Niño, 1510. Musée du Louvre (París, Francia). Una dorada luz renacentista sitúa la escena en un momento irreal del día. Lo inunda todo, modificando cada color objetivo, y eliminando así cualquier atisbo de realismo y naturalidad. Mediante el sfumato, se logra una atmósfera "sobrenatural“ que diviniza a los personajes.

El Greco, Muchacho encendiendo una vela, 1570-1575. Galleria Nazionale de Capodimonte (Nápoles, Italia). La oscuridad y la noche constituyen el escenario habitual de la pintura intimista barroca.

Diego Velázquez, Las Meninas, 1656. Museo del Prado (Madrid, España). Dos focos de luz crean el espacio y la narración: a la derecha, una ventana que iluminaría directamente a los reyes retratados que aparecen en el espejo del fondo, y de rebote a todos los personajes; al fondo, la puerta del contraluz y, en medio, la penumbra.

La luz y el color en el siglo XIX

El academicismo continuaría el camino iniciado en el Barroco, prosiguiendo las investigaciones sobre la luz y el color, pero alejándose en cambio del tenebrismo. Hasta el siglo XIX no llegaría el día, la luz en su apogeo. “El enemigo de la pintura es el gris”, dirá Delacroix. Se pinta la luz como se ve, sin idealizaciones. Aparecen entonces las divergencias; por un lado, los neoclásicos modelaban las formas con suaves fundidos y, por otro, los románticos lo lograban con empastes y veladuras, de forma más impulsiva. La naturaleza, para ellos, se convertía en fuente de experiencias espirituales.

Con el Impresionismo, el color desplazaba al claroscuro y, con una paleta ilimitada, se alcanzaba la atmósfera cromática total. Se establecieron ricos juegos cromáticos entre gamas cálidas y frías, modelados con complementarios, se introdujo el azul en las sombras, se revalorizó el trazo y la pincelada... Se abrían las puertas a la investigación de la pintura sobre la pintura misma.

Las vanguardias históricas

En la primera mitad del siglo XX, se produjo una eclosión de tendencias y de estilos hasta entonces impensable: las vanguardias. Cada una de ellas trataría la luz y el color en función de sus propios postulados. El Expresionismo y el Fauvismo, derivados del atrevido colorismo de Van Gogh y Gauguin, ambos postimpresionistas, consideraban que la luz proviene del propio color en su máxima expresión saturada y trabajaban con fuertes contrastes cromáticos, normalizando el uso de complementarios para las sombras. Con el Cubismo, el Futurismo, el Surrealismo y el Dadaísmo, el color se sometía al arbitrio del artista, según su voluntad compositiva y el discurso expresivo. Lo que se perseguía no era ya la plasmación de la realidad, sino la creación de una obra nueva y singular. Cada cuadro es una realidad nueva.