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Inhalt

Einleitung

Die Anfänge

„Ich bin in der alten Zeit groß geworden.“

Lonesome Crow

„Dann hörten wir’s im Radio, wo es so einen besonderen Sound hatte.“

Fly To The Rainbow

„Das ist der beste Gitarren-Sound Deutschlands.“

In Trance

„Deshalb hatte er auch einige Herzanfälle.“

Virgin Killer

„Jeder wusste, wohin der Zug fahren würde.“

Taken By Force

„Gedanklich hatte ich die Band bereits hinter mir gelassen.“

Tokyo Tapes

„Sie erzählten uns, dass sie ihre Kühe massierten.“

Lovedrive

„Komm, mach uns ein echt abgefahrenes Cover!“

Animal Magnetism

„Es ist so roh wie ungekochtes Fleisch.“

Blackout

„Der Fernseher machte einfach ‚puff‘!“

Bildstrecke

Love At First Sting

„In Frankreich gab es danach einen Baby-Boom.“

World Wide Live

„Wir gingen raus und wussten, wir würden gewinnen.“

Savage Amusement

„Wir verschwendeten so viel Zeit.“

Crazy World

„Hast du etwa Fiberglas im Studio?“

Face The Heat/Live Bite

„Welcher Radiosender hätte das denn spielen sollen?“

Pure Instinct

„Ich gab ihnen eine Liste mit fünfzig bis sechzig Änderungen, die notwendig waren.“

Eye II Eye

„Ich tanzte nie zu Scorpions-Songs.“

Moment Of Glory/Acoustica

„Das Resultat war sensationell.“

Unbreakable

„Der Fels stand immer noch.“

Humanity Hour 1

„Die Leute wollen euch ernst nehmen.“

Sting In The Tail

„In letzter Zeit gab es keinen starken Wellengang.“

Comeblack

„Ein lautstarker Gruß an die Bands, die uns beeinflusst haben.“

MTV Unplugged

„Wenn so mein Ruhestand aussieht, dann ist das echt cool.“

Return To Forever

„Auch wenn man nicht mehr aktiv ist, muss man im Training bleiben.“

Diskografie

Ein halbes Jahrhundert Scorpions. Von Daniel Böhm

Die Scorpions-Alben

Nachweise

Über den Autor

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Hey, erinnert ihr euch noch, wie wir als Kinder diese komplizierten Tauschhandel abzogen, bei denen wir etwa Tennisschläger, Sammelkarten oder auch zwei lahmarschige Platten gegen eine gute Scheibe eintauschten? Mein erster solcher Handel kam zustande, als mein brandneues Exemplar von Virgin Killer – die Platte hatte mich 6,99 Dollar gekostet – für ein gleich teures, ebenfalls eine halbe Stunde zuvor gekauftes Exemplar des Debütalbums von Yesterday & Today den Besitzer wechselte. Mein Kumpel Fiver und ich waren damals beide dreizehn und ließen unsere LPs auf dem Plattenspieler der Eltern meines Tauschpartners kreisen, nachdem wir sie von Kelly’s oder dem Rock Island Tape Centre, wo wir beide arbeiteten, mit nach Hause gebracht hatten.

Ich erinnere mich noch heute, warum ich mich auf diesen Tauschhandel einließ. Virgin Killer war irgendwie unheimlich, kratzig und unzugänglich, eher heavy und deprimierend und am rauen und ruppigen Stilspektrum der Band angesiedelt, für das Uli stand. Yesterday & Today (sie benannten sich erst später in Y&T um) brachten hingegen einfachen amerikanischen Gute-Laune-Hardrock, mit dem ich mich identifizieren konnte.

Im Laufe der Jahre lernte ich Virgin Killer viel mehr schätzen – und war darüber hinaus begeistert von Taken By Force, liebte Lovedrive und stand tierisch auf Animal Magnetism. Und ich bin mir sicher, dass auch Blackout viele, viele Male auf dem Plattenteller landete. (Obwohl, eigentlich war es vermutlich eher Back in Black auf Kassette oder ein Acht-Spur-Tape, das bei unseren Partys das Blut in Wallung brachte.)

Später flaute mein Enthusiasmus aber wieder ab, was es mir erschwerte, dieses Buch zu schreiben, wie ich vorweg anmerken möchte. Aber es ist ja kein Geheimnis, dass die meisten ernsthaften Fans der Scorpions auf deren frühen Output schwören – und ich halte es in Bezug darauf mit der Mehrheit. Aber hey, ist es nicht cool, dass sich das nicht nur auf die Ära von Uli Jon Roth beschränkt? Es gibt schließlich mindestens gleich viele abgefahrene Klassiker mit Matthias Jabs an der Leadgitarre wie mit Uli.

Oh Mann, was waren wir sauer, als Love At First Sting ein paar Wochen nach der unwiderstehlichen Vorab-Single „Rock You Like A Hurricane“ in die Läden kam. Nicht nur war das der beste Song auf der ganzen verdammten Scheibe, sondern es war auch der dritthärteste. Es war vielleicht kein Debakel wie Attention Shoppers! von Starz, aber zumindest so verstörend wie British Steel nach Killing Machine, Pyromania nach High ’n’ Dry oder auch Metallicas zurückhaltendes Schlurfen nach der ungebremsten Attacke, die Justice gewesen war. Mit anderen Worten, die Scorpions hatten ihre Formel verflacht und abgeschwächt – und wir waren wütende Metalheads, die damit rein gar nichts anfangen konnten.

Aber wenn man an Büchern wie diesem hier schreibt, besteht immer die Chance, dass man über Juwelen stolpert, die man bisher nie als solche erkannt hatte. Beim Schreiben fielen mir eine Reihe guter Songs auf Savage Amusement, Crazy World, Face The Heat und – zu meiner großen Überraschung – auch Pure Instinct auf, obwohl letzteres Album nicht allzu heavy ist. Allerdings ist es meiner Meinung nach ein unterschätzter Halbedelstein und gehört zu den reifsten und intellektuell gehaltvollsten Werken der Band.

Dann gab es eine Phase, in der ich der Gruppe kaum Aufmerksamkeit schenkte und auch ganz ehrlich gesagt nicht viel fand, was mich ansprach. Diese Phase hielt bis zum angeblich (so behauptete die Band damals) letzten Album Sting In The Tail an, das ich für verdammt solide halte. Und das war der springende Punkt für mich: Ich hätte mich wohl kaum aufraffen können, dieses Buch zu schreiben, wenn ich nicht mit etwas Positivem hätte aufhören können – und Sting In The Tail war für mich in Kombination mit der kraftvollen Abschiedstour unserer alten deutschen Freunde, die uns noch einmal alle zum Tanzen brachte, positiv genug, um das Projekt vor mir selbst zu rechtfertigen. Aber dann kam natürlich doch alles anders. Die Band schob Return To Forever hinterher, ging noch einmal gründlich auf Tour und alles war wieder gut.

Etwas, das im Text gar nicht ausführlich thematisiert wird, will ich hier gleich vorab sagen: Es sind Uli Jon Roths Spirit und seine beispielhafte Art zu leben, die sich durch die Seiten dieses Buches ziehen. Ach, es wurde schon oft erklärt, dass Uli für eine gitarrenlastigere, mehr an Hendrix orientierte, etwas klassischere und mitunter sogar „krautrockigere“ Ausprägung ihrer Musik eintrat, was ihn letztlich dazu veranlasste, der Band (ohne jeglichen Groll) den Rücken zu kehren. Also stiegen zuerst Herman und dann Matthias ein, die zusammen Klaus und Rudolf davon überzeugten, einen direkteren, amerikanischeren Sound anzupeilen. Na gut, genau das geschah dann auch und eine Menge großartiger Musik kam so zustande.

Egal, es ist trotzdem ziemlich cool, dass Uli so lange durchhielt, bis er schließlich selbst ein paar intellektuell inspirierende Alben am Start hatte. Und es ist sogar noch inspirierender zu sehen, dass er dynamische Konzerte spielt, dabei jung wirkt und auch jedes Mal einen Draht zu seinen alten Kameraden zu finden scheint, wenn sich die Möglichkeit dazu ergibt.

Bis zu einem gewissen Grad lässt sich das auch über Michael Schenker, Herman Rarebell und Francis Buchholz sagen, die überraschenderweise wieder einmal die Bühne miteinander teilen, was in mir die Vorstellung befeuert, dass sich ein paar von diesen Jungs (wenn nicht alle) tatsächlich wie alte Freunde fühlen. Für mich sind sie das nämlich auf jeden Fall.

Martin Popoff

martinp@inforamp.net

www.martinpopoff.com

Nicht viele Bands können von sich behaupten, ein Dutzend Jahre lang hart für ihren Erfolg gearbeitet zu haben, bevor er sich schlussendlich doch noch einstellte. Doch genau dies können sich Rudolf Schenker und Klaus Meine auf die Fahnen schreiben. Es dauerte eigentlich sogar noch länger, wenn man die ersten paar magischen Jahre hinzurechnet, die von ihrer Begeisterung für den ursprünglichen Rock ’n’ Roll und die Beatles geprägt waren, und dann auch noch die Zeit ihres Aufstiegs bis zur absoluten Spitze, die sie mit Blackout erreichten (falls das auch eurer Einschätzung entspricht).

Na klar, bei vielen klassischen Karrieren der Siebzigerjahre (Rush und Judas Priest etwa) sieht es so aus, als wären diese Bands, die zwischen 1975 und 1979 so phänomenale Platten abgeliefert haben, bereits etablierte Rockstars gewesen. Hinsichtlich ihrer Kreativität waren sie sicher auch schon ganz oben, zumindest in den Augen eines scharfsinnigen Metalheads ab einem gewissem Alter. Doch wurde im Laufe der Jahre auch offensichtlich, dass Bands wie Scorpions, Rush und Priest sehr zu kämpfen hatten, während sie gleichzeitig ihre besten Platten für Major-Labels einspielten. Ich erwähne das nur, um die Voraussetzungen zu erklären und um klarzustellen, dass die Scorpions sich definitiv abrackern mussten und dafür größten Respekt verdient haben. Der Lohn all ihrer Mühen war hart erkämpft und die Fähigkeiten der Band wurden über all die Jahre hinweg durch ihre enthusiastische Hingabe vom Rohzustand bis zur Perfektion geschliffen.

Wo fing nun alles an? Nun, zuerst war da Rudolf Schenker, dem sich schon sehr bald Klaus Meine anschloss. Sie beide bilden bis heute den Kern der Gruppe und sind die Jagger und Richards der Band.

So wie auch manche Kids in der Sowjetunion sogen Rudolf und Klaus jeglichen Rock ’n’ Roll auf, an den sie in ihrem Heimatland, das damals schon offiziell Bundesrepublik Deutschland hieß und im Ausland West Germany genannt wurde, herankamen. Eine wichtige Rolle spielten dabei amerikanische GIs, die damals in großer Zahl als Bollwerk gegen den Ostblock in der BRD stationiert waren.

„Ich bin in der alten Zeit aufgewachsen“, erklärt Rudolf. „Das heißt, es drehte sich bei mir um Elvis Presley, Little Richard, Buddy Holly, Eddie Cochran und all diese Leute. Aber dann kamen natürlich die Beatles und die Rolling Stones – und mit ihnen dieser Kontrast zwischen Schwarz und Weiß. Die Beatles waren die Guten und die Stones die Bad Boys. Mir gefielen auch die Pretty Things sehr. Und natürlich die Kinks und die Yardbirds. Das waren so meine Einflüsse, die Bands, die mich inspirierten. Schon als ich ein Fan von Elvis Presley war, wollte ich Musik machen, aber irgendwie spielte ich auch Fußball und realisierte, wie schwierig es war, aus einer Gitarre Musik herauszuholen. Also blieb sie vorerst in der Ecke stehen, bis dann schließlich die Beatles und die Rolling Stones kamen. Der Zeitpunkt, an dem ich anfing, mir wirklich Mühe zu geben, ein guter Gitarrist zu werden, war gekommen, als ich mir diese fünf Typen vorstellte, wie sie um die Welt reisten und Musik für ihre Freunde machten. In meiner naiven Denkweise – und da war es gut, naiv zu sein – führte das dazu, dass ich versuchte, die Scorpions zu formieren und die richtigen Leute dafür zu finden, Musiker, mit denen ich mich auch gut anfreunden konnte. Das war mir nämlich ebenfalls sehr wichtig, und diese Philosophie ist auch der Grund dafür, dass wir immer noch zusammen sind. Der Ausgangspunkt ist Freundschaft, dazu kommt die Freude daran, zu einer Gang zu gehören und auf der Suche nach Abenteuern um die Welt zu reisen – und nicht, darauf zu schielen, wie man am meisten Geld verdienen kann. Und weil wir uns nicht aufs Geld konzentrierten, sondern auf das Abenteuer, reisten wir später so viel und besuchten Orte, an denen vor uns noch niemand gespielt hatte. Das ist der Grund, warum es uns nach Russland, Manaus im Dschungel, den Regenwald und an die Pyramiden vor Kairo verschlug. Weil wir es genießen wollten. Weil wir echt auf Tour gehen und uns an der Musik und unseren Fans erfreuen wollten. Ich glaube, das legte den Grundstein für alles: dass ich so naiv war, mir vorzustellen, mit vier oder fünf Freunden die Welt zu bereisen. Diese Denkweise floss von Anfang an in die Scorpions ein, und das ist auch der Grund, warum die Band zusammengeblieben ist.“

„Die Scorpions waren am Anfang“, fährt Rudolf fort, „also schon von 1965 an, sehr auf das Gitarrenspiel fokussiert, vor allem aber auf die Leadgitarre. Der erste Gitarrist, den wir zusätzlich zu mir hatten, war schon ein sehr guter Leadgitarrist, und mein Bruder, der sich der Band anschloss, sollte sehr erfolgreich werden. Uli Jon Roth war ein sehr bekannter Gitarrist – zumindest wurde er sehr bekannt. Deshalb behaupteten wir immer, dass wir die kontinentaleuropäischen Yardbirds wären. Irgendwie hatten wir bei den Scorpions immer Gitarristen, die später ihre eigene Karriere machten, weil sie einfach so gut waren und viele andere junge Bands beeinflussten.“

Es ist schon ziemlich unfassbar, dass Rudolf berichtet, er habe bereits ab 1965 den Namen The Scorpions verwendet. Es ist eine offensichtliche Anspielung auf die Beatles [wird im Englischen wie „the Beetles“ – die Käfer – ausgesprochen; Anm. d. Red.], genauso wie Alice Cooper und Dennis Dunaway ihre Gruppe The Earwigs [„die Ohrwürmer“] und dann The Spiders nannten. So viel Gekrabbel! Jedoch sollte nicht unerwähnt bleiben, dass Rudolf eher an härteren Bands als den Beatles Gefallen fand. Wenn auch alle anderen von den „Fab Four“ angetan waren, so traf das auf Schenker weniger zu. Andere Argumente für den Namen waren, dass seine deutsche Übersetzung der englischen Version sehr ähnlich war sowie dass der Stachel des Skorpions der Nadel auf einem Schallplattenspieler glich. Daneben spielte auch eine Rolle, dass viele Leute das Sternzeichen Skorpion trugen und dass der Name mit einem „S“ anfing – wie in Schenker und im Namen seiner Geburtsstadt Schwetzingen.

„‚Hippy Hippy Shake‘, kennst du das? Von den Swinging Blue Jeans?“, antwortet Rudolf auf meine Frage, wie seine frühesten Erfahrungen mit dem Thema Rock, in welcher Form auch immer, ausgesehen haben. „‚Hippy Hippy Shake‘ [Er beginnt zu singen], aber auch ‚House Of The Rising Sun‘ von Eric Burdon. Oder etwas später dann ‚Rainin’ In My Heart‘ von den Pretty Things und ‚Don’t Bring Me Down‘ von den Animals. Vielleicht auch ‚Empty Heart‘ von den Stones. Was war damals noch neu? Also, ich war kein großer Beatles-Fan, die hörte ich mir nicht so oft an. Aber die Stones waren dafür schon stark in unserem Repertoire verankert. Was wir hier in Deutschland hatten, das war für uns junge Typen schrecklich. Die USA hatten da schon mehr zu bieten, etwa Coca-Cola, Elvis Presley und Kaugummi – das war unser Lebensgefühl. Das waren für uns die Dinge, die Lebensfreude repräsentierten. Alles andere, das typisch Deutsche … Pünktlichkeit, Arbeitseifer, du weißt schon, die klassischen deutschen Tugenden eben. Mach dich nicht lustig darüber. Hier muss man pünktlich sein und schwer arbeiten. Du arbeitest, bis du fünfundsechzig bist, und dann sparst du trotzdem weiter. Das war genau das, was wir nicht wollten. Klaus auch nicht. Er spielte in einer anderen Band, die hieß Mushrooms. Ich war bei den Scorpions, und beide sagten wir uns, dass wir nicht diesen Weg beschreiten wollten. Wir wollten Abenteuer erleben und etwas aus unserem Leben machen. Ich nannte dies die dritte Dimension. Das hatten wir irgendwo aufgeschnappt. Es gab eine Möglichkeit, wie wir das Leben genießen und andere Menschen glücklich machen konnten – und das war die treibende Kraft hinter unserer Karriere.“

„Das waren zweifellos zwei Bands, nämlich Black Sabbath und Led Zeppelin“, antwortet Rudolf auf die Frage, wer ihn dazu inspirierte, mit der Band mehr in Richtung Hardrock zu gehen. „Schon die Yardbirds gingen in diese Richtung. Das hatte mit Jimmy Page und Jeff Beck zu tun. Wer war noch bei denen? Genau, Eric Clapton. Also, auch die Yardbirds waren eine sehr wichtige Band für uns. ‚For Your Love‘ etwa, ganz großartig. Einer der Gründe, warum die Scorpions die deutschen Yardbirds waren, war ja auch, dass wir mit Uli Jon Roth, Michael und Rudolf Schenker sehr gitarrenlastig waren.“

Auch Deep Purple gehörten zu den unmittelbaren Vorbildern, die maßgeblich beeinflussten, was Rudolf mit seiner eigenen Gruppe vorhatte. „Sie hatten die richtigen Songs. Ich sah sie zum ersten Mal – es war vielleicht ’68 oder ’69, ich weiß nicht – und mir fiel als Erstes auf, wie laut sie spielten. Ritchie Blackmore, das war ein richtig, richtig guter Gitarrist. Und die Kombination mit den Keyboards … Ich bin der Meinung, dass das eine organische Rockband war. Musik in seiner effektivsten Form – ihre Power, ihr ganzes Auftreten, alles drum und dran. Natürlich, ‚Child In Time‘ – und ‚Smoke On The Water‘ – war für Deutschland der Bringer. Das ist der Grund, warum auch wir schon vom ersten Album an immer zwei Seiten hatten: einerseits Balladen und andererseits unsere Rock-Seite. Das war bei Deep Purple nicht anders, weil Ian Gillan der perfekte Typ war, um einen Song wie ‚Child In Time‘ zu singen. Ich glaube, diese ganze Mischung – die richtigen Songs, die Art, wie sie ihre Songs performten –, das alles war perfekt für den deutschen Markt geeignet.“

Aber zuerst standen bei den Jungs noch die Beat-Bands hoch im Kurs. Rudolf gründete „The Scorpions“ 1965 in Hannover. Klaus und Rudolfs noch sehr junger Bruder Michael schlossen sich der Band schließlich am 30. Dezember 1970 an, nachdem sie ihrer ersten Gruppe Copernicus den Rücken gekehrt hatten. Anfangs kümmerte sich Rudolf um alle Angelegenheiten der Band, da ein Band-Management, wie wir es heute kennen, im damaligen Deutschland verboten war. Das ist auch der Grund dafür, dass Bassist Francis Buchholz bis weit in die Zeit, in der die Band schon Platten aufnahm, als Manager fungierte.

Das, was als erste „echte“ Version der Scorpions gilt, datiert aus dem Jahr 1968; von den späteren bekannten Gesichtern war zu der Zeit aber nur Rudolf dabei. Neben ihm gehörten noch Karl-Heinz Vollmer an der Gitarre, Achim Kirchhoff am Bass und Wolfgang Dziony am Schlagzeug dazu. Die Besetzung der Band aus dem Jahr 1970 war dann schließlich schon jene, die das erste Album einspielen sollte.

„Ich glaube, wir respektieren einander“, sinnierte Michael über seine Beziehung zu seinem Bruder. „Die Art, wie wir aufwuchsen …, da gab es keine Konkurrenz und keinen Streit. Ich bat meine Eltern auch nie um Geld, sondern verdiente es mir selbst. Unsere Erziehung war einzigartig. Wir sind beide aber auch sehr visionäre Typen. Um im Leben etwas zu erreichen, muss man eine Vision haben. Es ist die Vision, die einen voranbringt. Ohne Vision tut man nur das, was alle anderen auch tun. Wenn man ein Individuum ist, dann erschafft man etwas Einzigartiges. So läuft das nun mal. Die Leute in meiner Familie sind alle sehr emotional. Alles, was da geschaffen wird, entsteht mit sehr viel Gefühl.“

Rudolf ermutigte den jungen Michael von Anfang an. Jedes Mal, wenn sich Rudolf eine neue Gitarre kaufte, gab er seine alte an Michael weiter. Wenn Rudolf von seinem eigentlichen Job zu sehr in Anspruch genommen war, bezahlte er Michael dafür, dass dieser Gitarren-Licks nachzuspielen lernte und auch ihm das Gelernte beibrachte, was sich als sehr nützlich herausstellen sollte, als sie die Gitarren-Parts der British-Invasion-Bands (ihre anderen Einflüsse reichten von Little Richard bis hin zu den Gruppen des britischen Blues-Booms wie etwa Fleetwood Mac) ausknobelten. Rudolf gibt zu, dass er zu faul war, um ordentliche Soli zu lernen. Angesichts seiner mangelnden Geduld macht es vermutlich Sinn, dass er sich selbst über die Jahre hinweg standhaft als Rhythmusgitarrist verstand, auch wenn er sich damit irgendwie auch selbst einschränkte.

Klaus übernahm selbstverständlich schon bald von Rudolf den Leadgesang bei Scorpions. Michael war zu diesem Zeitpunkt gerade einmal fünfzehn Jahre alt (Rudolf und Klaus waren schon zweiundzwanzig). Dennoch war er auch schon so etwas wie ein Routinier, da er schon mit elf mit der Band seines älteren Bruders abhing. Er war von der Leidenschaft fürs Musikmachen ergriffen worden, als Rudolf eines Tages eine Gibson Flying V mit nach Hause brachte.

„Gibt es irgendetwas Deutsches in unserer Musik?“, überlegte Klaus, als er in einem Gespräch mit Dmitry Epstein auf die Anfangstage der Band angesprochen wurde. „Ich weiß nicht, ist aber eine gute Frage! Selbstverständlich sind wir aus Deutschland, aber wir sind mit englischer und amerikanischer Musik aufgewachsen, die einen sehr starken Einfluss auf uns als junge Band hatte. Schon früh, in den Siebzigerjahren, gingen wir nach England und Frankreich, nach Japan und Amerika, wir tourten und wurden zu einer internationalen Band. Ich glaube, unsere Musik war nie deutsch. Da war schon immer dieser angloamerikanische Einfluss. Wir versuchten nie, eine deutsche Band zu sein. Wir sind zwar Deutsche, ja, aber nicht, wenn es um unsere Musik geht. Als wir aufwuchsen, gab es Schlager, diese Art von Popmusik. In Bezug auf unsere Klamotten machten wir alle möglichen Phasen durch, dennoch waren wir, was das anging, näher bei den Rolling Stones, weil auch sie so schmucke Sachen trugen.“

Natürlich gab es den Krautrock … „Ja, heute ist das alles irgendwie kultig und die Leute sagen: ‚Ah, Krautrock!‘ Aber in der Zeit, als diese Krautrock-Sache anfing, damals in den frühen Siebzigerjahren, da stand nur etwas über die internationalen Stars in den großen Musikzeitschriften – sie waren die Einzigen, über die es groß aufgemachte Artikel und hübsche Beiträge gab. Es war, als ob sie unsereinen herabsetzen würden. Sie machten uns ganz klein. Vor allem, als wir noch eine junge Band waren und Unterstützung gebraucht hätten, um etwas Selbstvertrauen sammeln zu können. Wir hatten das Gefühl, dass uns niemand unterstützte, also nahmen wir unseren Mut zusammen und gingen ins Ausland, 1975 nach England. Wir als Deutsche, die auf Englisch sangen. Wir wollten herausfinden, ob wir gut genug waren. Sind wir denn stark genug, um uns unter den englischsprachigen Musikern, die den Rock ’n’ Roll erfunden haben, behaupten zu können? Das war immer die Herausforderung. So wurden wir eine internationale Band. Als wir anfingen, gab es da noch Kraftwerk und Tangerine Dream. Beide Bands wurden international auch sehr groß, aber in anderen Bereichen, anderen Genres. Sie machten eher experimentelle Musik. Kraftwerk waren unglaublich, aber wir machten eben traditionellen Rock. Das waren noch Zeiten!“

Jene Besetzung, die das erste Scorpions-Album aufnahm, bestand aus Rudolf und seinem Bruder Michael an den Gitarren, Klaus als Sänger, und dazu noch Lothar Heimberg am Bass sowie Wolfgang Dziony hinterm Schlagzeug.

Für die ganze Entwicklung nicht minder wichtig war auch Produzent Conny Plank, eine prominente Figur innerhalb der Krautrock-Szene – einer wagemutigen, wenn nicht sogar subversiven, progressiv ausgerichteten Musikströmung, die auch in Bezug auf elektronische Elemente eine Vorreiterrolle einnahm. Aber auch im Hardrock-Bereich hatte er aufgrund seiner Zusammenarbeit mit Scorpions und anderen (Jane, Eloy, Night Sun, Hairy Chapter!) einen sehr guten Namen.

Conny arbeitete ’71 und ’72 mit Gruppen wie Guru Guru, Eloy, Cluster, Neu!, Kraftwerk, Ash Ra Temple und Night Sun. Im Februar 1972 erschien schließlich Lonesome Crow auf dem legendären Label Brain/Metronome. Interessanterweise kam das Album damals auch schon in den USA heraus, und zwar auf einem kleinen Chicagoer Label namens Billingsgate (BG-1004, die vierte Veröffentlichung der Plattenfirma), das auch Aufnahmen von Neu! (BG-1001), Lucifer’s Friend, Frumpy und Epitaph im Programm hatte und Amerika behutsam die Facetten des Krautrocks vermittelte.

Plank bekam für die Band einen soliden, kompakten Sound hin. Lonesome Crow erinnerte in seiner Gesamtheit an die Stoner-Rock-Ausflüge von Ted Nugent & The Amboy Dukes zu Zeiten ihrer Alben Marriage on the Rocks und Survival of the Fittest, aber gekreuzt mit dem Debütalbum von Black Sabbath, wie man schon an den krachenden Akkorden und den erdigen Lead-Parts des Eröffnungsnummer „I’m Goin’ Mad“ erkennen konnte. Es war eine kluge Entscheidung, alle Lyrics auf Englisch zu schreiben, da deutsche Texte ihre Möglichkeiten, international erfolgreich zu sein, radikal eingeschränkt hätten. Für besagten Track wurde sogar ein ordentliches Musikvideo gedreht, in dem die Band auf einer Felsformation spielte: Rudolf auf seiner Flying V, Michael auf einer gewöhnlichen Les Paul – und Klaus sah mit seinem Vollbart wie ein Bergbewohner aus.

Der nächste Song auf dem Album, „It All Depends“, behält den Sabbath-Vibe gleich bei. Die Band gibt sich jazzig-verspielt, während Michael ein paar Lead-Riffs vom Stapel lässt, die schon verdammt nahe an Iommi herankommen, und Dziony Bill Ward imitiert.

„Lonesome Crow war meine erste Platte“, erinnert sich Michael, „und, weißt du, ich war vierzehn. Ich entdeckte gerade die Sounds von Deep Purple, Black Sabbath, Jeff Beck und Led Zeppelin und so weiter. Das war meine Welt, genau das wollte ich auch machen. Also fing ich an, mir Sachen einfallen zu lassen, von denen ich dachte, sie würden aus mir kommen und ich sollte sie spielen. Ich begann, Melodien und Songs zusammenzustellen, und spielte sie dann Klaus vor. Im Grunde genommen schrieb ich die ganze Musik, zumindest den Großteil davon, aber letzten Endes bekam jeder einen Songwriting-Credit dafür … Es waren meine ersten Schritte als Songwriter, und mit diesem Material gingen wir ins Studio und fingen an, es tatsächlich aufzunehmen. Und dann hörten wir’s im Radio, wo es so einen besonderen Sound hatte [lacht]. Faszinierend.“

Aber auch wenn Michael in der Lage war, seine Idole zu imitieren, sollte das nicht länger sein bevorzugter Modus operandi bleiben. „Nein, ich bin mir seit vielen, vielen Jahren – tatsächlich sind es sogar schon vierzig Jahre – absolut bewusst, dass die Sachen, die ich schreibe und entwickle, sich nicht an äußeren Einflüssen orientieren. Nur in der Zeit zwischen neun, als ich anfing, und meinem siebzehnten, achtzehnten Lebensjahr kopierte ich andere Musiker, andere Gitarristen. Als ich mit vierzehn auf der Bühne stand, orientierte ich mich schon an Jeff Beck und Jimmy Page. Sie waren einfach außergewöhnliche Performer, und ich wollte unbedingt auch das können, was sie machten. Das war der Enthusiasmus, der mich dazu brachte, unablässig zu üben. Ich wollte einer der besten Gitarristen der Welt werden, was nichts anderes bedeutete, als dass ich so gut sein wollte wie diese Jungs, die ich für die Besten hielt. Ich wollte dieselbe Wirkung auslösen, wie sie sie auf mich hatten. Also kopierte ich Gitarristen, um mich zu fokussieren, bis ich so vierzehn, fünfzehn war. Der letzte Gitarrist, dessen Lead-Breaks ich versuchte zu imitieren, war Leslie West mit ‚Theme From An Imaginary Western‘. Das war es dann. Seitdem halte ich mich sozusagen von Musik so gut wie möglich fern. Ich wusste schon immer, dass das Unendliche und Kreative aus einer tiefgründigeren Quelle sprudelt. Also hatte ich die Wahl zwischen zwei Möglichkeiten: Die eine bestand darin, mich auf äußere Einflüsse zu fokussieren und zu kopieren, was ich da draußen so vorfand, und zu versuchen, es besser zu machen, und die andere bedeutete, mich in mich selbst zurückzuziehen und zu versuchen, neue Farben zu schaffen, etwas, das es vielleicht so noch nicht gegeben hat.“

Michael betont: „Ich höre also gar nicht sonderlich fokussiert Musik. Wenn ich mich auf Musik konzentriere, dann schreibe und erfinde ich. Vor allem höre ich mir keine Rockmusik an, weil ich will, dass für mich alles frisch und aufregend bleibt. Wenn ich den ganzen Tag Rockmusik hören und dann noch ein Album machen sollte, wäre ich komplett ausgelaugt. Das ist, als würde man zu viel Schokolade essen. Da will man ja auch, dass das was Besonderes bleibt.“

Um zum Album zurückzukommen: „Leave Me“ ist ein etwas unbefriedigender, bluesiger Sechzigerjahre-Popsong, dem durch die Gesangsharmonien im Stile von Moody Blues eine etwas dunklere Note verpasst wird. Klaus singt kraftvoll und Conny würzt ein wenig nach, indem er ein paar spacige Krautrock-Keyboard-Effekte ergänzt. Gegen Ende des Songs liefert Michael noch ein paar kreischende Sabbath-Leads über eine Passage im doppelten Tempo, bei der die Band – auch wegen der unheimlichen Gesangsharmonien – sehr stark an Uriah Heep erinnert.

Die letzte Nummer der ersten Seite, „In Search Of The Peace of Mind“, war ebenso von Uriah Heep durchdrungen und kombinierte epische Sequenzen mit einer düsteren Weichheit, die einen eben an Stücke wie „Come Away Melinda“ denken ließen. Im Verlauf der fünfminütigen Laufzeit des Songs bekommt der Hörer eine Menge beklemmenden und progressiv beeinflussten Rock geboten, was die Glaubwürdigkeit der Band in Sachen Krautrock noch mal unterstreicht. Michael bestätigte mir gegenüber, dass „In Search Of The Peace Of Mind“ der erste Song war, den er je geschrieben hatte. In Hinblick auf seine lebenslange Beziehung zum Thema Spiritualität meinte er: „Das fing schon früh bei mir an. Ich glaube, als ich fünf war. Und in Deutschland beschäftigt man sich im Rahmen des Konfirmandenunterrichts zwei Jahre lang mit der Bibel. Ich wurde mit vierzehn konfirmiert. Als ich dann fünfzehn oder sechzehn war, entdeckten mein Bruder und ich östliche Religionen für uns. Von da an ging das so weiter und ich streckte meine Fühler in alle Richtungen hin aus.“

Nun zur B-Seite, auf der die Band mit „Inheritance“ gleich einmal ihre Fähigkeiten als solide Jam-Musiker unter Beweis stellt, was durch Connys heißblütige Produktion und seinen Mix noch unterstrichen wird. Wieder einmal fühlt man sich an den Vibe des ersten Sabbath-Albums erinnert, was sowohl an der musikalischen Darbietung als auch an der klanglichen Qualität liegt. Dieser Song könnte als eine Mischung aus „The Warning“ und „Planet Caravan“ vom zweiten Album durchgehen. Textlich merkt man hier weniger, dass Englisch die zweite Sprache der Band ist, als bei den meisten anderen Songs auf dem Album. Der Song setzt sich mit dem Übel des Geldes beziehungsweise des Geldverleihens auseinander – obwohl auch Handwerker ihr Fett abzubekommen scheinen!

Der zweite von gerade mal drei Tracks auf der zweiten Seite ist ein Song übers Schnellfahren, der den Titel „Action“ trägt. Auch so manche Wiederveröffentlichung von Lonesome Crow wurde im Laufe der Jahre unter dem Namen dieses Songs herausgebracht, der als jazziger Jam durchaus typisch für das Album ist und mit weiteren volltönenden Solo-Parts von Michael untermalt wird.

Der epische Titel-Track des Albums, „Lonesome Crow“, schließt das Album ab und erstreckt sich über dreizehneinhalb Minuten voller … nun, wie nicht anders zu erwarten, voller düsterer, stimmungsvoller Parts, Powerchord-Passagen, jazziger Rhythmen und jeder Menge kreischender Gitarre obendrauf, die von Michael beigesteuert wird. Dzionys Schlagzeugspiel erinnert stark an Bill Ward, und in klanglicher Hinsicht orientiert sich Conny hier an Roger Bains Produktion des ersten Sabbath-Albums. Mitsamt den unheimlichen Soundeffekten und Klaus’ gespenstischen Schreien schien es fast so, als ob der Band ihre eigene Version von Sabbaths „The Warning“ gelungen wäre.

Die Scorpions gingen anlässlich der Veröffentlichung von Lonesome Crow 1972 und ’73 intensiv auf Tour, allerdings ausschließlich in Deutschland, wo sie sowohl in Clubs als auch bei Festivals auftraten. Die Bekanntheit der Band erhielt außerdem noch mal einen Schub, als ein paar Songs von Lonesome Crow für den deutschen Anti-Drogen-Film Das kalte Paradies verwendet wurden, wobei Conny Plank eine entscheidende Rolle spielte. „Wir gingen ins Studio, um drei Songs für den Soundtrack aufzunehmen“, erinnert sich Schenker. „Das waren ‚I’m Going Mad‘, ‚Lonesome Crow‘ und noch einer. Conny Plank war im Studio. Er sagte: ‚Was?! Habt ihr schon einen Vertrag? Nein? Ich werde mich darum kümmern.‘ Im Oktober 1971 nahmen wir unser erstes Album auf und diese beiden Songs kamen auch drauf. Das war vor sehr langer Zeit.“

Auf Tour spielten die Scorpions vor Rory Gallagher, Uriah Heep, Chicken Shack und UFO. Im Juni 1973 luchsten Letztere, also UFO um Phil Mogg, der Band ihren auffallenden blonden Gitarristen Michael ab. UFO klangen damals noch sehr psychedelisch und spacig und promoteten gerade ihr „Space-Rock“-Album Flying.

„Scorpions traten vor uns auf“, erinnert sich Pete Way, Bassist von UFO, „und Michael war damals ihr Gitarrist. Bernie Marsden hatte seinen Pass verloren und wir mussten spielen. In der Tat war es Phil, der sagte: ‚Der Typ ist richtig gut, oder? Der Blonde da.‘ Michael sprang also ein. Er sprach kein Englisch und wir kein Deutsch. Aber von nun an war er in der Band.“

„Das war in erster Linie Zufall“, ergänzt UFO-Sänger Phil Mogg, der die Geschichte bestätigt. „Bernie, der damals bei uns Gitarre spielte, als wir in Deutschland auf Tour gehen wollten, hatte seinen Pass vergessen. Das war nicht so toll. Wir hatten Michael bei den Scorpions spielen gesehen. Ein herausragender Gitarrist! Also fragten wir ihn, ob wir ihn uns für den Gig ausborgen dürften. Wir spielten zwei Abende mit ihm und fragten ihn dann, ob er bei uns einsteigen wollte.“

„Ich ging mit den Scorpions schon auf Tour, als ich mich UFO anschloss“, sagt Michael über seine schicksalhafte Entscheidung. „So lernte ich UFO kennen, weil wir mit den Scorpions als Special Guest vor ihnen auftraten. Sie waren ohne Gitarristen und ohne Ausrüstung eingetroffen, weshalb sie sich mich und das Scorpions-Equipment ausliehen. So kamen sie auf mich. Ich spielte ein paar Konzerte mit beiden, UFO und Scorpions, bis der andere Typ doch noch aufkreuzte. Das war so um 1973. Dann kamen sie noch einmal auf mich zu. Ich sagte den Scorpions damals immer, dass ich nach England gehen würde, falls mich jemand fragte, weil die ganze Rockmusik ja von dort stammte. In Deutschland war es sehr schwierig, sich zu entwickeln. Management war verboten und alles war sehr, na ja … Überall regierte Disco-Musik und es fühlte sich alles ein bisschen tot an in Deutschland. Als UFO mich dann wollten, sagte ich: Okay, das ist es. Um meinen Bruder nicht allzu sehr enttäuschen zu müssen, suchte ich nach jemand anderem für sie und fand Uli Roth. Dadurch fühlte ich mich besser und war startklar.“

„Ich wollte einfach mein Ding durchziehen“, erklärt Michael seinen Ausstieg bei jener Band, die einst die populärste Gruppe Deutschlands und letzten Endes kommerziell viel erfolgreicher als UFO sein würde. „Ich denke, Gott wollte es so. Ich glaube nicht, dass es für die Scorpions oder meinen Bruder so gut gelaufen wäre, wenn ich in der Band geblieben wäre … Mein Bruder ist mehr der Gruppen-Typ und ich bin mehr der Einzelgänger. Sein Traum war es immer, in einer der größten Bands der Welt zu spielen, und meiner war es immer, einer der besten Gitarristen der Welt zu sein. Das bestätigt meine Aussage. Mein Bruder teilt seine Energie gerne mit andern und ich gehe gerne in mich und beziehe meine Energie aus der Essenz des Seins. Ich war ziemlich unabhängig. Als wir Lonesome Crow aufnahmen, war ich fünfzehn. Ich zog mit meiner Freundin zusammen, als ich sechzehn war. Ich sagte zu ihr: ‚Siehst du die orangen Kisten da drüben? Wir könnten Möbel aus ihnen machen und zusammenziehen.‘ Sie erzählte das ihrer Mutter. Die jedoch meinte: ‚Auf gar keinen Fall!‘, und kaufte uns Möbel. Ich weiß noch, wie ich sechzehn Jahre alt war, da lag und mit meiner Freundin sprach. Ich sagte zu ihr, dass man mich mitten in China aussetzen könnte und ich dennoch genau wüsste, was zu tun wäre. Das war mir immer schon klar. Mit sechzehn wusste ich, dass alles möglich wäre. Ich sagte damals zu meiner Freundin, dass ich eines Tages einer der besten Gitarristen der Welt sein würde. Doch sie lachte bloß.“

„Als Michael sich uns für das Album Phenomenon anschloss, war es, als wäre er das fehlende Bindeglied gewesen“, fügt Phil noch hinzu. „Dadurch wurde unser Sound, der meiner Meinung nach sehr britisch war, ein bisschen europäischer. Nachdem Michael eingestiegen war, konnte man die deutschen oder auch teutonischen Noten und Notationen in seinem Spiel heraushören. So wurden wir zu einer sehr europäischen Rockband der zweiten oder dritten Generation.“

Michaels Vorgänger bei UFO, Bernie Marsden, der später bei Whitesnake spielen sollte, tauchte tatsächlich nach der schicksalhaften Show seiner Band mit Schenker auf, um die Tour noch zu Ende zu spielen. Michael schloss sich der Band dann im Juni an, nachdem er von Rudolf und Klaus dazu ermutigt worden war. Die beiden zogen es sogar in Erwägung, ihrer eigenen Band nach acht Jahren, in denen sie immer nur in Deutschland aktiv gewesen waren, den Stecker zu ziehen. Doch stattdessen besetzten sie die Schlüsselposition des Leadgitarristen mit einer Persönlichkeit, die Michael in jeder Hinsicht das Wasser reichen konnte, dessen Spielstil und Naturell sich aber stark von seinem Vorgänger unterschied.